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GALERIE

peinture

EXPOSITION du 29 AOÛT au 10 OCTOBRE 2019
Une narration en constante évolution, fruit d’une gestuelle décomplexée et impétueuse.
En s’affranchissant de certaines contraintes, Sophie Bassot propose le paysage comme un texte, dont les pigments sont des mots, les glacis la ponctuation. Le spectateur devient lecteur d’une histoire qu’il s’approprie.
D’une série à l’autre, depuis des années, Sophie s’éprouve au travers de ses grands formats et se confie avec des plus petits, jusqu’à l’épuisement.
Elle s’inspire de la nature, dont elle capte les forces élémentaires, les lignes essentielles, la spontanéité, le présent éternel, en une sorte de sur-vie.
Elle doit choisir une vision totale de l’objet, l’ensemble et non les détails, une nature nue et dépouillée, qui ignore totalement les contours de l’élégance.
Elle refuse toute norme de beauté statique, mais une beauté dynamique, en devenir continu, qui ne permet jamais l’exploitation commode des chemins déjà parcourus.

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GALERIE

peinture | sculpture

EXPOSITION du 15 JANVIER au 10 MARS 2020
EddiE haRA fait partie des artistes indonésiens contemporains et il a, à sa manière, réussi à découvrir des visualisations qui ont finalement conduit à la naissance d’un "nouveau genre" par la sauvagerie et l’innocence du dessin pour enfants ou du street art - autrement dit: l'art brut générique - dans ses œuvres. Ainsi, les œuvres d’EddiE traitent de divers thèmes et de l’esprit des sous-cultures: de la détériotation de l’environnement à l’absurdité de la vie des gens contemporains.
Dernièrement, ses œuvres ont montré plus de similitudes avec les peintures murales de rue, apparemment réalisées en griffonnant et impliquant une application minimale de couleurs.
Pour ceux qui suivent assidûment sa carrière artistique, en tant qu'artiste de rue, Eddi HAS a évidemment plusieurs personnages principaux dans ses œuvres: la méduse, le calmar, le lapin, la chaussure / chapeau et le crâne humain tous peuvent voler et faire des sauts périlleux sur sa toile. Les peintures caractéristiques d’EddiE haRA mêlent les fantasmes espiègles des enfants et le caractère sauvage de la vie urbaine.

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GALERIE

peinture | sculpture

EXPOSITION du 15 OCTOBRE 2019 au 10 JANVIER 2020

Diego Terroba est né le 17 juillet 1975 à Eindhoven, aux Pays-Bas, en tant que troisième enfant d'une famille espagnole. Ses parents sont venus aux Pays-Bas en tant qu’immigrants dans les années 60. En tant que jeune garçon, le premier contact de Diego avec l’art a été réalisé grâce à la collection de timbres de son père. C’est là qu’il a vu pour la première fois tout le travail des maîtres d’art anciens et modernes.

Pendant les vacances d’été, la famille resta longtemps à Madrid, fascinée par le bâtiment classique ornamant et sculpté. Cela l'a beaucoup impressionné. Au cours de sa vie aux Pays-Bas et de son origine espagnole, il s’inspire des maîtres peintres néerlandais ainsi que des peintres espagnols.

À l'âge de 9 ans, il s'est rendu compte que lorsqu'il a grandi, il voulait faire quelque chose d'artistique. Il a commencé à prendre des cours de dessin et de peinture à la peinture à l'huile classique. Adolescent à l'âge de 12 ans, en 1987, Diego a été influencé par les arts de la rue et les graffitis de New York, Paris et Londres et il a également commencé à pratiquer le street art. Après le lycée, il suivit différents cours de peinture et commença à travailler à Rotterdam en 1995 à l'Atelier Leo Mineur. Cette société a débuté en 1920 et a peint du début à la fin des affiches de cinéma géantes des années 80. C'est là qu'il a rencontré son maître Niek Straatman qui avait plus de 50 ans d'expérience dans la peinture de ces affiches de cinéma.

A ce moment tout est venu ensemble. La volonté de devenir le meilleur en combinaison avec un Maître passionné à la recherche d'un étudiant pour transmettre ses compétences. La société Atelier Leo Mineur enseignait de maître en étudiant depuis 1920 et Diego Terroba était le dernier étudiant.


Après avoir travaillé quelques années à l'Atelier Leo Mineur, Diego a quitté la société et a lancé sa propre société en 1997: Diego Terroba Studios. En plus de la peinture, il a également commencé à se spécialiser en tant que sculpteur hautement qualifié dans différents matériaux. Pendant tout ce temps, il a passé de petits projets à des projets incroyablement grands pour des musées, des zoos et des parcs à thèmes comme Disney.

Après un moment, il devint de plus en plus difficile pour Diego de travailler sur commande car il aspirait à la liberté de création en tant qu’artiste. Il se sentait pris au piège des projets de la commission et souhaitait être totalement libre du point de vue artistique. Poussé par ces sentiments, il peint son propre travail depuis quelques années. Étonnamment, malgré ses antécédents classiques de peintre et de sculpteur, il était davantage attiré par le côté moderne de l'art.

Son propre travail contient toutes sortes d'influences de sa vie. Ce que vous voyez dans son travail est beaucoup de dynamique et de mouvement. Parfois, vous voyez beaucoup de symétrie. Vous voyez les influences des mouvements ornementaux et architecturaux comme Art déco.

Diego peut être inspiré par n'importe quoi. A partir d'un rouleau de papier, d'un bâtiment ou d'un fragment ou d'un sentiment de la vie quotidienne. Il peint ce qu'il ressent à ce moment. Une fois, c’est figuratif, l’autre, c’est plus une composition de lignes et de couleurs fortes.

Diego est un penseur d'images, donc ce qu'il peint est un reflet de son esprit. Au cours des dernières années, il s'est mis au défi de constituer une collection solide et unique de peintures aux couleurs noir, blanc, rouge, jaune et bleu dans son propre style. Il trouve très important que son style soit facilement reconnu. Outre la peinture, il travaille également à la réalisation de sculptures de toutes tailles dans ce style et cette couleur. Il continue à développer son style au quotidien. Son ambition est d'être l'un des nouveaux grands artistes modernes du monde.

• PAOLO CAMPA •

peinture hyperréaliste

EXPOSITION EN PHASE DE PLANIFICATION, entre juin et octobre 2020

Paolo Campa (pseudonyme de Paolo Alberto Campanile) 1964 - Né à Lugano d'une famille d'hôteliers renommés.

Il a fréquenté des écoles obligatoires et des écoles de construction à Lugano.

La famille Campanile, des années 60 aux années 90, a acquis une notoriété particulière dans le secteur de la restauration au Tessin et parmi les restaurateurs de toute la Suisse, ainsi qu’à l’étranger, entre les îles hawaïennes et les Seychelles. Néanmoins, Paolo Campa a toujours été attiré uniquement par l'art, ce qui s'explique aussi par sa prédisposition innée au dessin et à cette nécessité que lui a léguée son cousin Dario, plus grand que lui (1948).

A 13 ans déjà, avec ses petits tubes égarés, le jeune Paolo peint son premier tableau à l'huile, un sujet avec une petite "Candela" (bougie). Mais ce n’est qu’en 1985 qu’il a commencé comme artiste autodidacte avec l’intention de faire de la peinture son essence, puis depuis 1997, en tant que professionnel, il peint, expose et enseigne également dans des écoles privées.

Dans la famille, trois artistes portent le nom de "Campanile". C'est pourquoi, la même année (1997), l'artiste a changé son nom pour devenir "Campa", surnom affectif que lui ont donné ses pairs déjà dans sa jeunesse.

Les débuts de son parcours pictural ont tout d'abord été influencés par son cousin, déjà à cette époque déjà habitué des ateliers de De Chirico en 1967 et de Salvador Dalì en 1973.

Mais dans sa maturation, Paolo Campa a toujours eu pour référence les grands maîtres italiens comme le Caravaggio et les impressionnistes américains du XIXème, ainsi que des contemporains: Lucian Freud, Alex Katz, Claudio Bravo et Gerhard Richter, dans ses artistes préférés absolus qui, comme lui, ils ont toujours recherché le renouvellement dans la continuité.

Paolo Campa a exposé pour la première fois en 1987 en participant à une exposition collective à la galerie "Poltera" à Lugano, suivie de nombreuses autres expositions, notamment personnelles. Mais c’est à partir de 2003 que son parcours prend un nouvel élan avec la rencontre du commissaire Antonina Zaru, qui le compte parmi ses jeunes artistes italiens tels que: Velasco, Giovanni Frangi et Luca Pignatelli et organise avec eux une exposition itinérante. également à l'étranger entre Londres et Washington DC (USA).

En outre, depuis 2006, il a également été présenté à des foires internationales telles que celles de Bolzano, Milan et Vérone. Les foires s’ouvrent ainsi, une continuation des opportunités, c’est précisément à ces occasions qu’il a été découvert par le célèbre critique et conservateur Maurizio Sciaccaluga, décédé un peu plus tard et de façon inattendue, le 27 juin 2007, à seulement 44 ans.

Maurizio Sciaccaluga a immédiatement montré son enthousiasme pour le travail de Paolo Campa, en particulier pour les portraits qu'il souhaitait inclure dans la dernière exposition organisée par le critique, sur le thème: "Nuovi Realismi" et présentée au musée du Palazzo San Domenico de Francavilla a Mare. dans la province de Chieti, sous le successeur de Vittorio Sgarbi, qui a ensuite décidé de répéter l'exposition au PAC de Milan sous le thème: "Nouveaux peintres de la réalité". A cette occasion, l'exposition était visible en conjonction avec un ticket d'entrée unique à l'exposition toujours organisée par Sciaccaluga: "Arte Italiana 1968-2007" qui s'est tenue au Palazzo Reale de Milan.

Paolo Campa a été suivi d'expositions collectives et personnelles importantes et d'échos importants, tels que la galerie See / 301 à Zurich avec l'exposition "Die neuen Generationen im Göttengarten" (Les nouvelles générations dans le jardin des dieux). Rien à voir avec ce qui peut sembler être une interprétation de l'adoration profane ou païenne, mais plutôt une analyse minutieuse du visage des nouvelles générations en constante mutation, comme au fil des saisons dans un jardin de variété et de beauté éphémère.                                                  M. T.

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GALERIE

photographie d'art

EXPOSITION DU 16 MARS AU 17 AVRIL 2019, VERNISSAGE JEUDI 19 MARS À PARTIR DE 18H00
Vincent Perego, artiste genevois, présentera ses œuvres photographiques en première mondiale.
Notre directeur artistique, Carlo E. Naldi, connaît Vincent depuis de nombreuses années et a déjà travaillé avec lui de manière professionnelle dans le passé et continue d'entretenir une relation de travail et artistique.
Artiste à la personnalité et à la technique très précises, Vincent est un artiste méticuleux, tout comme il est méticuleux et précis dans ses activités professionnelles qui l'ont fait apprécier et connu dans le monde de la haute horlogerie et de la joaillerie fine pour ses réalisations extraordinaires.
Laissez-vous surprendre par la profondeur des couleurs et l'électricité de ses œuvres, un artiste genevois qui sera bientôt reconnu dans le monde entier pour ses qualités.

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GALERIE

sculpture

Il a exposé dans de nombreux pays européens, notamment en Russie et en Amérique du Nord. Il a des sculptures publiques emblématiques, en Angleterre, en France, en Suisse et en Bulgarie…. Il est également l'auteur du prix «Le Benois de la Danse» attribué au ballet Oscar du Théâtre du Bolchoï nommé par Igor en hommage à son ascension multiculturelle internationale d'au moins 50 artistes résumée dans la famille Benois.
Igor, né en 1956 à Londres, est également le fils de deux artistes, son père, Sir Peter Ustinov, et sa mère, l'actrice canadienne Suzanne Cloutier. Son enfance et son éducation ont couvert plusieurs pays. Il a finalement obtenu une maîtrise en art à l'École nationale supérieure des beaux-arts Arts à Paris avec César Baldaccini, dit "César" - l'un des plus célèbres sculpteurs français et représentant du "Nouveau Réalisme", il devient simultanément un Bachelor en biologie de l'Université Paris VII et étudie le chant au conservatoire, il est formé baritone).
Igor est cofondateur de l'Institut Ustinov de Vienne et de la fondation Ustinov à Francfort. Depuis 2004, il est le PDG permanent. Il a également fondé en 2015 le forum Internet sur la prévention des préjugés d'Ustinov, et d'autres entreprises.

• EMRE BAYKAL •

peinture

OEUVRES DE L'ARTISTE EN PERMANENCE à LA GALERIE.
Emre Baykal est né à Istanbul en 1975.
À l'âge de quatre ans, il s'installe en Suisse avec sa famille.
Il est diplômé du Christ König Kollegium, à Zurich.
En 1999, il s’est rendu à Saint-Pétersbourg pour étudier la langue russe à l’université.
Bientôt, il commence ses études d'art et travaille avec des artistes russes tels qu'Andrey Malinovskiy (école d'art de Reriha), le professeur Andrey Pakhomov (chef du département graphique et membre correspondant de l'Académie des beaux-arts de Russie) et Oleg Grechkin (Saint-Pétersbourg). Académie des Beaux Arts).
2008 Emre est devenu membre de l'Union des artistes de Saint-Pétersbourg, membre de l'USPD, Association internationale des arts de Turquie.
Emre Baykal a participé à de nombreuses expositions dans toute l'Europe, notamment en Suisse, en Russie et en Turquie.
L'artiste travaille dans ses studios à Zurich et Siebnen, en Suisse, et à Saint-Pétersbourg, en Russie.
Ses œuvres font partie de collections privées en Europe, en Russie et en Turquie.

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GALERIE

sculpture

Le travail de Jean Octobon se lit dans ses mains noircies par le métal.
Inox, aluminium et acier coulent dans ses veines . Comme avant lui son grand père forgeron chaudronnier , Jean a le vertige de ces matériaux bruts qu’il aime faire plier. 
De son père professeur de dessin  Jean Octobon hérite d’une passion  pour les arts : il étudie les arts plastiques, l’histoire de l’art, s’intéresse à l’architecture, la technologie et même la mécanique industrielle. 

Enfant du pays nicois ,  c’est à quelques mètres de la mer qu’il installe son premier atelier. Le design ne fait pas encore les beaux jours de la télévison mais déjà Jean Octobon se lance le défi du beau et de l’utile. Il dessine, conçoit et fabrique des pièces uniques.   Son autonomie est totale et nécessaire pour lui qui  n’accepte aucun compromis quant à la qualité de son travail . Très vite ses escaliers, cheminées , et autres ouvrages prennent place dans les belles villas du sud de la France. 

La réputation de Jean Octobon grandit, ses envies aussi, et derrière le métallier se dessine le sculpteur. C ‘est en 2013 qu’il décide de se consacrer uniquement à sa passion et ses sculptures remplacent dans son atelier les ouvrages métalliques d’architecture. Il donne enfin naissance aux œuvres longtemps restées en gestation dans son imagination. Un résultât et un succès évident porté par un savoir faire hors du commun, son travail rayonne de plaisir et de perfection d’exécution, ses idées illustrées par sa maitrise technique s’exécutent sans la moindre hésitation. 

Un rendez-vous qu’il s’est donné pour ses 45 ans, « voila maintenant je suis prêt, j’y vais ! » Des sculptures inspirées et dédiées à son adolescence, à ces racines, à sa culture vintage, à ses héros de western, au sourire de Belmondo, à la veste de Strasky, aux gadgets de 007…et surtout au fantasme et à la dérision. cette série «BANG-BANG» est un voyage dans son univers, des «flingues» géants ou à taille réelle et en couleurs pop. Un sujet «sentimental» et un objet qu’il définit comme «parfait» pour s’exprimer techniquement, mécaniquement, et sculpturalment. Il compose son travail de plans d‘exécution, d’ usinages, d’assemblage mécanique pour finir par sculpter et former à la main les matériaux qui le composent. A la façon d’un sculpteur sur pierre, il taille, lime, retire et meule le métal de ses «flingues», jusqu’a obtenir les lignes, les volumes, les courbes et les surfaces parfaites . Ses sculptures respirent et sentent le métal ainsi que la passion de la perfection. Le résultat est tout simplement «canon»!.

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GALERIE

peinture | sculpture

EXPOSITION du 25 JUIN au 29 JUILLET 2019
OEUVRES DE L'ARTISTE EN PERMANENCE à LA GALERIE.
Né en 1953 à Berlin, d'où il émigra en Suisse en 1960, il obtient son diplôme de la Central School of Art de Londres. Bien que ses études se soient concentrées sur la sculpture et la peinture, il a toujours été passionné par tout ce qui sort de l'ordinaire. Encouragé par son père à poursuivre une carrière plus stable, après ses études, Jörg devint un créateur de montres de renommée mondiale, jusqu'à ce qu'il retrouve le chemin de sa passion de longue date pour l'Art.
À la fin des années 90, après quatre années passées chez Rolex, Jörg crée son propre studio. Son travail lui a rapidement valu d'être reconnu dans l'industrie horlogère grâce aux garde-temps qu'il a imaginés pour les marques les plus prestigieuses telles que Breguet, Tag Heuer, Tiffany & Co, Ebel, Seiko et bien d'autres. Toutes ses créations révèlent une apparence distinctement différente et sont imprégnées d'un esprit contemporain.
Entre 2005 et 2006, l’artiste a organisé une exposition itinérante de 30 de ses toiles reprenant les dessins de ses créations horlogères les plus remarquables. Il a parcouru le monde avec des escales à New York, Barcelone, Kiev, Dubaï, Doha et Genève, où l'ensemble des œuvres a été vendu aux enchères. Le génie de Jörg réside dans un état d'esprit en constante évolution, et cet artiste tant recherché mais résolument tourné vers l'extérieur puise son inspiration dans ses nombreux voyages en mer.
Depuis 2015, Jörg se consacre à sa première passion pour la sculpture. Ses œuvres sont le résultat de l’expression d’une philosophie propre à l’artiste, fondée sur la perception de l’instant et sur le concept de temps émotionnel. L’esprit passionné de l’artiste et sa quête philosophique se manifestent à travers ses sculptures.

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GALERIE

peinture | sculpture

OEUVRES DE L'ARTISTE EN PERMANENCE à LA GALERIE.

Janka, artiste peintre, est née en Pologne, vit et travaille en France depuis 1993.
Diplômée de l’Académie des Beaux Arts de sa ville natale de Lodz elle s’exprime essentiellement par la peinture mais aussi par la sculpture et le dessin.

   Sa peinture joyeuse et colorée, faussement naïve, nous replonge dans le monde d’une enfance rêvée, permettant de voyager, de s’évader de notre réalité d’adulte.
   Ses huiles pleines de poésie et de sensibilité qui s’inspirent souvent de son vécu émotionnel ou de ses rêves de petite fille s’inscrivent dans le courant de l’art singulier dont elles font souvent éclater les frontières pour investir les territoires d’une peinture tribale et archaïque.



   Singulier, contemporain et poétique, brut aussi, son art interpelle par son originalité et sa fraîcheur. Vrai reflet de sa personnalité, bienveillante, sensible et forte à la fois, qui aime la philosophie et la comprend. Son oeuvre, entre ses mains, s'offre une liberté rêvée, cherchant toujours l'équilibre, la spontanéité.         

   Son expressivité ne laisse jamais vraiment indifférent. Certaines de ses réalisations sont particulièrement touchantes et reflètent un monde qui lui appartient.

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GALERIE

peinture | sculpture | objects

OEUVRES DE L'ARTISTE EN SERONT BIENTÔT EN PERMANENCE à LA GALERIE.

© Karl Gallo, nous ne savons pas si cela existe vraiment, mais nous savons que ses œuvres ont un impact fort et original. Nous avons essayé d’obtenir des informations et il a été confirmé que © Karl Gallo avait 40 ans d’expérience artistique, mais il n’a jamais voulu arrêter ou consolider l’un ou l’autre style. Son style actuel, malgré le fait que tous les designs soient totalement exclusifs et uniques, est très orienté vers le monde du dessin animé et de PopArt. Il aime créer des objets qui portent ses dessins à la fois comme des œuvres originales et des objets de la vie quotidienne pour que je puisse accompagner le pittoresque de ses clients qui, comme lui, sont originaux. Nous sommes heureux de nous laisser surprendre par cet artiste (...ou ces artistes!) éclectiques!

• DONALD JACOB •

peinture | sculpture

DES OEUVRES DE L'ARTISTE SONT EN PERMANENCE à LA GALERIE.

Donald Jacob a grandi à Bâle, en Suisse. Après le lycée, il a fréquenté la Basel Art School. Il a appris le sérieux de la vie très tôt lorsque son père a quitté la famille. Il devait travailler à l'adolescence pour gagner sa vie. Il a effectué un apprentissage de jardinier et a étudié l'écologie et l'architecture de paysage.

L'art et le travail créatif sont une source de force pour lui. Son travail se déroule en flux, guidé par un pouvoir créateur intérieur, facilement et sans pensée corrective. Lui-même dirait, guidé par une force universelle. Les idées pour ses travaux viennent de ses expériences, des expériences de ses nombreux voyages au cours desquelles il a toujours son appareil photo avec lui.

Des milliers de photos sont des témoins du moment vécu.

"Je suis fasciné par l'essence humaine, notre condition, notre fragilité et notre comportement dans la société et les réalités auxquelles nous serons tous confrontés tôt ou tard." Il a vécu des phases de détresse existentielle, des hauts et des bas de la vie, et ces thèmes sont, même s'ils sont subtils, visibles dans son travail.

Cependant, il est également un connaisseur, un observateur silencieux et, en même temps, il aborde de manière critique les questions sociopolitiques. Et encore et encore la nature - il se sent connecté à elle et en tant qu'être humain vivant dans la ville, il est attiré encore et encore dans la nature. Pour Donald Jacob, les contrastes et les changements représentent un enrichissement.


En tant qu’architecte paysagiste et architecte, il s’efforce de créer un environnement propice à la beauté et à la nature humaines.

Il a déclaré: "La créativité a besoin d'une forte imagination et d'inspiration. Pour moi, la vie, mon environnement est une source d'inspiration que je mets en œuvre dans mes œuvres. La créativité ne connaît pas de frontières".


La diversité le distingue et il ne rentre dans aucune catégorie. Travailler avec des plantes, concevoir à l'intérieur et à l'extérieur, en tant que photographe et classique en dessin et peinture, sculptures et performances avec body painting.

La complexité de sa créativité est impressionnante et laisse des traces lorsqu’on regarde ses œuvres.


"Je n'essaie pas de définir une situation exacte avec mes œuvres, je la préfère lorsque chaque spectateur crée sa propre perspective et sa propre signification. Les interprétations qui en découlent sont toujours enrichissantes".


Son chemin était accompagné d'incertitudes et de difficultés. Il le voit lui-même comme une étape de son développement. Toute cette expérience de la vie se réunit dans ses œuvres.

"La personnalité est façonnée par les expériences de la vie et a un effet transformateur sur l'art." L'art peut exercer un pouvoir transformateur sur l'homme, comme un jardin nous permet de faire l'expérience d'un morceau de paradis.


Paroles d'Antje Grüning

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GALERIE

peinture

UNE EXPOSITION DE L'ARTISTE EST EN PREPARATION.

Pour Sandrès, la peinture n’est pas un art reproducteur mais créateur. Sensible au monde qui l’entoure, elle en tire des sen- sations qu’elle exprime dans ses œuvres.

Influencée par le cubisme, notammentcelui de Cézanne, puis par Kandinsky, Franz Marc et Braque, elle introduit dans sa palette des couleurs chaudes.

L’œuvre de Sandrès est le fruit d’un long développement, d’une maturation etd’une intense réflexion théorique fondéssur son expérience personnelle de peintre. Son esprit est tendu vers la beauté etun profond désir spirituel qualifié de« nécessité intérieure », principe essentiel de l’art.

A partir de 1998, elle fait l’amalgame de la forme et du fond qu’elle applique à des visions presque abstraites qu’elle ap- pelle le cœur des couleurs. Ces dernières

deviennent de plus en plus éclatantes et se chargent d’un pouvoir émotionnel ainsi que d’une signification cosmique.

Les formes ont un sens et une cohérence indépendante de la représentation des objets du monde. Cette cohérence est liée au geste qui génère, à partir d’un élément premier reflétant la création d’un univers, ces formes qui finissent par devenir une symphonie que l’on nomme musique des sphères, liée à la dynamique des couleurs. Elles peuvent être rythme et mélodie, son et mot, poésie faisant vibrer l’âme d’une certaine façon, réso- nance mise au service du contenu del’œuvre lors de sa lecture qui se définitchaque fois d’après une dictée intérieure.

Pour Sandrès, rien n’est définitivement ac- quis. Sa quête demeure incessante dans ce monde en perpétuelle mutation.

La première exposition de Sandrès fut au Musée Gauguin à Tahiti en 1982. Il y a plus de trente cinq ans. Retenons de cette rencontre riche de sens l’idée de recherche paradisiaque. La peinture deviendra ce lieu, cet idéal d’harmonie, de sagesse, d’énergie sereine. L’oeuvre de Sandrès qui s’étend maintenant sur quatre décennies a connu des périodes, des évolutions, mais aucune rupture. Et l’on peut reconnaître un Sandrès quelque soit les époques et les styles. L’exposi- tion de 2019 montre des œuvres réali- sées dans les dix dernières années. Les œuvres, sans titre autre que «Compo- sition», s’inscrivent dans des séries que le regardeur aura à reconstituer, sur deux types de support, huiles peintes sur toile et huiles sur papier toilé. Cette expo- sition montre que l’artiste, loin d’avoir renié ou oublié les styles de période précédente joue sur la coexistence de ces périodes dans cette seconde décennie du XXIe

siècle, gardant les caractéristiques de l’en- semble de l’oeuvre, un art géométrique et non pas abstrait.

La peintre avait pris pour premiers mo- dèles, ses phares à partir desquels elle s’est lancée dans la haute-mer de la toile, Malevitch, Kandinsky, bien sûr, mais aussi Braque, Matisse, August Macke et Fer- nand Léger. Son travail témoigne aussi de ses expériences dans des ateliers d’ar- tistes, Les Dix de Varna pour la gravure, à Moscou et à Kiev pour la peinture et dans de nombreux ateliers autour du monde. Est-ce le constructivisme russe qui fut à l’origine de sa passion pour l’art russe et de sa collection d’art russo-soviétique jusqu’à la Perestroïka comprise?

Le but ultime de son travail, son telos,est d’atteindre l’harmonie. Définir l’har- monie picturale n’est pas simple et relève d’une émotion personnelle plus que

d’un jugement. Après tout, Braque, cité par Jean Paulhan avait dit: «Qu’appelle-t- on harmonie? C’est ce dont on ne peut rien dire.» L’harmonie est l’effet produit par une composition rythmique de formes et de couleurs. Sandrès parle des vibra- tions de la couleur et aime à comparer la partition musicale à son travail pictural. La couleur doit vibrer, commente-t-elle, comme une note de musique.

C’est un travail paradoxal: à l’ouverture, la clef et les premières notes qui s’im- posent à partir d’un élan émotionnel, aucun plan élaboré, aucune recette géo- métrique. A partir de ces premières notes, ces premières touches de couleur, com- mence un travail de construction. L’artiste peint à plat, sans chevalet. Elle n’utilise aucun vernis, ne fait aucun mélange de couleurs au préalable, sur une palette par exemple, le mélange se fait sur la toile elle- même. Dans cette construction par les

formes et les couleurs domine l’arrondi sur l’anguleux et le rectangulaire. Le travail est considéré comme achevé quand l’impression d’harmonie l’emporte de manière définitive, quand tous les empiriques es- sais d’ajouter ou de supprimer se révèlent vains.

Dans une étude sur la peinture moderne de L’entretemps: Brèves histoires de l’art, Jean Orizet se demandait: «A quoi reconnaît-on un peintre? A la singularité de ses formes, à sa façon unique de les mettre en espace, à l’usage mystérieux qu’il fait de la matièreet de la couleur -entre la fluidité d’un Matisseet la pâte dense d’un Tapies- pour prendre deux extrêmes. Que ce peintre parvienne à trouver son langage à partir de chacune de ces composantes puis à le mettre en oeuvre, poussé par une impérieuse nécessité, alors celui-là est à coup sûr un authentique créateur.»

Authentique créatrice, depuis quarante ans, Sandrès produit cette orchestration, ce qu’elle comparait aussi à «une poésie graphique». Comme l’écrivait Jean Orizet, l’oeuvre véritable naît «d’une nécessité impérieuse». Chez Sandrès en effet, l’acte de peindre est une nécessité vitale, il est un sismographe de la vie émotionnelle, sensations, états d’esprit, intensités éner- gétiques. L’acte de peindre est ainsi relié au tellurique personnel. Il ne saurait être journalier et obsessionnel mais s’impose d’un coup comme une obsédante et bou- leversante obligation d’un élan personnel, une expérience d’endurance et de persé- vérance, astreinte vers la réconciliation.

Cette peinture chargée d’affects mais avec la mise à distance du géométrique vise à transmettre ces affects, des émotions et sans aucun doute d’abord la sérénité, le sentiment d’équilibre. Les regardeurs font les tableaux, mais surtout si le tableau,

tel un icône ou un mandala, possède cette vertu énergétique et méditative. Sandrès souhaite que la contemplation de son oeuvre transmette une puissance émotionnelle sur son spectateur. Faire vivre la toile pour que la toile vibre dans son regardeur. Cérémonie esthétique, rite silencieux d’apaisement. Regarder pour contempler, suspendre le temps par l’agencement des formes et la vibration des couleurs.

écrit par

Hervé-Pierre Lambert

Ecrivain, critique d’art
Ancien Conseiller culturel, scientifique et de coopération près l’Ambassade de France en Suisse

GALERIE

peinture

OUVRES DE L'ARTISTE EN PERMANENCE à LA GALERIE

Originaire du Sud de la France , je suis installée en Bourgogne depuis quelques années. Mon parcours de vie n’a pas toujours intégré la peinture ou le dessin mais ils m’ont toujours accompagnée.J’ai pratiqué quelque temps la peinture sur porcelaine ,j’ai suivi des formations diverses (Manufacture de Sèvres ), cette activité de grande patience et d’exigence reste présente mais la toile a repris ses droits …
Je travaille à l’huile ou à l’acrylique . Dans mon atelier, je prépare longuement mes toiles et puis je réfléchis…
L’inspiration... elle vient d’ailleurs, d’un autre temps, d’une autre culture, de mes dessins d’enfant… je regarde autour de moi , cela m’influence, cela m’interroge, alors je navigue dans un monde imaginaire où, avec des personnages, des couleurs, des chiffres, des écritures, des formes diverses qui se baladent, qui s’organisent, qui se désorganisent , qui se heurtent, qui se décomposent, qui se superposent… je propose un chaos auquel chacun peut donner un sens .

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GALERIE

sculpture | pate de verre | peinture

OEUVRES DE L'ARTISTE SERONT BIENTOT EN PERMANENCE à LA GALERIE.
L’art et la force de la sculptrice Juli réside d’abord dans sa manière audacieuse, subtile et originale d’oser assembler, associer des matières aussi raffinées que la pâte de verre, le bronze ou la pierre à la brutalité de matériaux naturels récupérés aussi surprenants et insolites que des racines, des écorces, des fossiles, et même des champignons – les fistulina hepatica, qui, une fois séchés, offrent à la fois résistance et légèreté!
D’emblée, au travers de ces choix plastiques, se devine l’intérêt de l’artiste non seulement pour ce que produit la nature mais aussi et surtout pour la manière dont celle-ci peut être utilisée, détournée, magnifiée...Ce souci d’une nature sublimée par l’art se poursuit jusque dans l’immatériel, lorsqu’au travers de ses bas-reliefs en pâte de verre, Juli « sculpte » par la lumière, insufflant la vie et le mouvement au cœur de la matière. Car la pâte de verre a cela d’exceptionnel de changer d’apparence, dans ses reflets, ses profondeurs, selon la manière dont la lumière la traverse, selon la saison ou l’heure du jour.
Depuis près de quinze ans, Juli travaille sans relâche à se perfectionner, à approcher et expérimenter de nouvelles techniques. Du vitrail à la création de bijoux, de la taille de pierre aux techniques du verre, de la soudure au bronze, elle a fréquenté de nombreux ateliers et appris auprès de nombreux maîtres et artistes, enrichissant ainsi son art et nourrissant peu à peu sa manière si particulière de traiter le monde des hommes dans son rapport intime et puissant à la nature. Les œuvres de Juli rendent l’humanité à ses origines, semblent rappeler la nécessité d’enraciner son devenir dans cette sorte d’atemporalité d’une nature originelle et, d’une certaine manière immémorielle, comme le sont les fossiles et les pierres dont la sculptrice se sert parfois.
On l’aura compris, l’œuvre de Juli porte une dimension anthropologique, une passion déclarée pour l’humain. Ainsi dégagera-t-on de son œuvre un certain nombre de thématiques récurrentes, parmi lesquelles celle du « visage », dont Juli pourrait dire, à l’instar de Lichtenberg*, qu’il s’agit là sans doute, de toutes les surfaces qu’elle expérimente, une des plus passionnantes.
Elle en travaille tout l’éventail : visage émergeant de la nature -à la fois sa force et ce qui la produit-, masque Nuo, entre yin et yang ou « expulsant les démons », « Persona » de la tragédie grecque, visage humain dans tous ses regards et toutes ses expressions - voyez « l’extase, la colère et la joie »- comme autant de faces, de facettes, d’un même humain, d’une même personnalité.
Il n’y a dans ces œuvres nul manichéisme mais un regard humaniste, ouvert sur l’humaine nature. Les sculptures de Juli parlent des ambiguïtés de l’homme, de ses dualités, de ses réalités multiples, au travers de ces double visages à la Janus, symboles d’ouverture, de flux du temps, de devenir, mais aussi de chaos des mondes, de confusion, au travers de ces masques à la puissance énigmatique, entre rire et effroi, au travers de ces multitudes de petites têtes qui les peuplent parfois ...
Elles content, aussi, ses espoirs, à l’image de ces « quatre mondes » figurant continents et cultures, ensemble, d’une certaine manière, deux visages émergents de deux autres pour dire l’espoir du rassemblement du monde – celui des hommes entre eux, celui des hommes et de la nature - et peut-être, enfin, l’émergence d’un nouveau monde.
Ecrit par Marie Deparis - Critique d’Art